Joel Schumacher, pouco antes de morrer, afirmava ter levado para a cama mais de vinte mil homens. Não duvido. Foi um bom diretor, responsável por produções que permanecerão na memória afetiva de muitos e, com isso, obteve destaque na Babilônia hollywoodiana. Se até um anônimo consegue sexo fácil (ainda mais nos dias de hoje, quando o corpo humano tem o mesmo valor que um pedaço de cocô), imaginem quantos homens não aceitariam dar o furico a Schumacher, em troca de uma pontinha num filme qualquer.
Em resumo, suas declarações nunca tiveram nada de respeitáveis, pois se vangloriar de foder deveria ser algo insignificante para alguém que possui o mérito de ter encabeçado um bom conjunto de obras. Como diretor, sim, ele foi respeitável. Só por O Primeiro Ano do Resto de Nossas Vidas (St. Elmo's Fire, 1985), ele já mereceria todo meu apreço.
Blood Creek é um filme curioso, pois, apesar de contar com Joel Schumacher na direção e nomes como Dominic Purcell, Henry Cavill e Michael Fassbender no elenco, passou despercebido. A trama é interessante, e a narrativa segue de maneira destrambelhada. Mas a proposta do filme sempre foi ser um terror/suspense meio gore e banal. E, de fato, passou totalmente despercebido. Eu mesmo o vi há alguns anos meramente por acaso (surgiu como indicação na tela do streaming) e, agora, o revi graças ao algoritmo dentro do gênero terror e sobrenatural.
O mote se liga à já batida história do nazismo e suas práticas ocultistas, algo que, aliás, mencionei aqui quando sugeri o filme Navio de Sangue (2019). A história começa em 1936, com a chegada do oficial e pesquisador nazista Richard Wirth a uma fazenda de imigrantes alemães nos ermos vicinais dos EUA. Ele demonstra interesse por algo peculiar no local: uma imensa e antiga pedra viking entalhada com runas.
Quem é fã da franquia Indiana Jones deve se lembrar de como os nazistas viviam infernizando o arqueólogo em busca de relíquias sagradas que fundamentariam suas crenças e dariam poder ao Reich de mil anos. Isso nunca foi mera ficção. De fato, o alto escalão bigodista patrocinava expedições similares, inclusive em regiões inóspitas como a Antártica.
Após poucos minutos de filme, saltamos para o ano de 2007, onde conhecemos um paramédico atormentado pelo desaparecimento do irmão durante uma pescaria. Numa noite, esse mesmo irmão retorna e o chama para ajudá-lo numa empreitada violenta. Logo percebemos que ele esteve preso por dois anos na mesma fazenda onde o macumbeiro alemão chegou na década de '30 – e que toda a família de imigrantes ainda está lá, vivendo como no passado e sem envelhecer.
E mais: os irmãos têm apenas uma noite para impedir que um ritual macabro ocorra. Se eu falar mais, estragarei as surpresas. Surpresas bobas de um filme simplório – mas, ainda assim, surpresas.
É isso. Sugestão de filme bobo para passar o tempo. Fico por aqui. Abraços emacumbados e até a próxima.
Imagens geradas por IA com base nas diretrizes: Hitler, magia e ocultismo
Faz mais de seis meses desde a última postagem nesta plataforma defunta. Ainda gosto deste espaço e as estatísticas me indicam que, por incrível que pareça, ainda há bons acessos. No último mês, foram quase cinco mil. Então é um site que merece permanecer de pé, mesmo que a maioria das pessoas prefiram redes sociais variadas - a exemplo do Instagram - e vídeos curtos como no YouTube, TikTok etc.. Então, enquanto houver acessos, manterei o blog. Mas não me vejo mais no ritmo do passado, com postagens regulares, ao menos semanais. De qualquer forma, pode ser que isso mude. Vai que eu sinta ímpetos, mais à frente, de escrever regularmente? Pode ocorrer. Muitas vezes, não estamos empolgados com algo (música, filme, leituras, escrita e hobbies diversos, v.g.) e, de repente, nos damos bastante a algo até então anestesiado.
Mas vamos lá. Esses dias, reli todos os livros de Thomas Harris onde encontramos o vilão Hannibal Lecter: Dragão Vermelho, em 1981; O Silêncio dos Inocentes, 1988; Hannibal, 1999; e Hannibal - A Origem do Mal, de 2006. Releituras em regra são proveitosas e deveras encontramos no texto - e nas entrelinhas - novas percepções passadas incógnitas à primeira vista. Dessas releituras, surgiram alguns vídeos postados no meu vlog. Então basicamente o objetivo desta postagem é fazer auto-jabá de meu conteúdo. Até porque só tenho a mim mesmo para me divulgar. Entretanto, há algo que queria compartilhar: uma belíssima peça que nunca existiu.
Tanto no romance quanto no filme homônimo - dirigido porcamente por Ridley Scott -, Hannibal assume a vida de Dr. Fell, curador da biblioteca do Palazzo di Gino Capponi. Ali, ele se interessa ainda mais por Dante Alighieri e a obra Vita Nuova é citada algumas vezes. No livro, Hannibal, sob seu disfarce de curador, realmente encontra o casal Rinaldo e Allegra Pazzi numa apresentação pública. Não há detalhes sobre a peça executada, mas passar-se-ia no Teatro Piccolomini, com a Orquestra de Câmara de Florença. Como Allegra observa bastante o libreto, Hannibal/Fell lhe oferece um pergaminho escrito à mão, do Teatro Capranica, de 1688, o ano em que ela teria sido escrita. No cinema, inventaram algo sobre a passagem de Vita Nuova, quando, entre sonhos e suas interpretações, Dante se questiona sobre Beatriz a lhe devorar, literalmente, o coração. A aria Vide Cor Meum foi brilhantemente composta e executada por Patrick Cassidy. Sem saber, ele nos deu alguns minutos da mais bela ópera que nunca existiu - foi tudo criação do compositor, exclusivamente para o filme.
É isso. Só queria movimentar este blogue pelo qual mantenho bastante carinho e dar impulso ao meu conteúdo no YouTube.
O cinema nos dava grandes cenas, memoráveis. Eram aqueles momentos inesquecíveis e marcantes, onde tudo se encaixava à perfeição, desde as boas atuações até câmera, fotografia, cenário, produção de arte e com uma trilha sonora feita sob medida, como que por um alfaiate. De supetão me recordo agora da escadaria em Os Intocáveis, os créditos iniciais de Apocalypse Now, as lágrimas na chuva de Rutger Hauer em Blade Runner, com Vangelis ao fundo, a pluma de Forrest Gump, a sacola de Beleza Americana (assim como seu desfecho trágico e belo), Jack Nicholson manco com um machado em mãos no hotel Overlook, macacos pulando em torno do monólito na aurora dos tempos, Tom Cruise caminhando no meio da rua com seu irmão Raymond - ou Rain Man -, Matthew Broderick dançando Twist and Shout numa avenida da belíssima Chicago e Hannibal Lecter se salpicando de sangue enquanto desce o cassetete num guarda inocente. Se for para elencar tudo, hajam dias. Mas enfim: deu para entender. Havia a "marca da cena". Aquela Cena!
Já comentei aqui que acho todos os filmes mais recentes praticamente iguais. Fica a sensação de que é tudo a mesma coisa e confessei que, após alguns dias, até esqueço quase tudo o que vi. É um alzheimer cinematográfico. Nada marca, nada impacta. Até mesmo bons filmes - como o Duna de Denis Villeneuve - não deixam mais momentos marcantes, pelos quais a obra será rememorada. Me parece que tudo é feito apenas para preencher telinhas, e nada mais. Tudo elaborado a toque de caixa, igual a vacina "contra" o vírus chinês. Não existe mais o suor, a dedicação, aquele esforço de equipe por apoteose, mesmo que por meros dois minutos.
Pensando nisso, compartilho a cena acima. Estrada para Perdição é um filme excelente baseado numa boa HQ. Recordo bem quando o vi, no lançamento, em DVD. Foi minha ex esposa quem pegou na locadora. Na época, éramos apenas namorados de faculdade. Ela chegou com o filme, olhei o título e não me interessei. Ainda comentei com ela que deveria ser uma bosta. Assistimos no dia seguinte. E que filme, senhores. E nem é tão antigo. Foi lançado ontem, praticamente. Mas ainda havia coisas assim brotando para nosso deleite. Há várias cenas icônicas, nesta obra. Mas a de cima serve bem para ilustrar o que tento exprimir: Michael Sullivan (Tom Hanks) executando todos os seus ex parceiros mafiosos para, finalmente, poder encarar aquele que lhe era como pai, com o semblante resignado de lástima da então lenda ainda viva do cinema Paul Newman. Chuva, slow motion, rajadas de tiros em meio à trilha melancólica de Thomas Newman etc. Mais uma obra de arte de Sam Mendes.
Não acho que quem ganhar ou quem perder, nem quem ganhar nem perder, vai ganhar ou perder. Vai todo mundo perder.
- Dilma Rousseff, petista profissional
Navio de Sangue é um filme ruim que é bom, porque é ruim sem se propor a ser bom e quer apenas isso: ser um filme ruim, meio que resgatando o antigo formato de cinema de terror/horror/suspense feito sob medida para a TV no passado. Se lançado há algumas décadas, seria mais um made for TV banal. Se mais curto, poderia ser um episódio de Contos da Cripta. Mas tem potencial para ter sido um ótimo filme, acaso tivesse recebido mais atenção dos realizadores. O mote é bacana! Vamos lá com alguns poucos spoilers.
Não é novidade para ninguém que, no Reich bigodista, havia a trupe da macumba. Oficias nazistas que se dedicavam ao ocultismo e, talvez, tenham pesquisado maneiras de utilizar forças sobrenaturais ao seu favor. Aliás, França e Inglaterra não ficavam atrás - os aliados eram nações racistas, supremacistas e cheias de líderes satanistas. Não pensem que aquele "V" de vitória comumente utilizado por Winston Churchill era à toa. De resto, este Admirável Mundo Novo que herdamos foi graças aos Aliados, pessoas nem tão nobres assim. Ademais, "arianos" não eram apenas loiros de olhos azuis. Várias raças se dizem arianas. O nome Irã (antiga Pérsia) não é à toa: trata-se do lugar reconhecido como de origem dos arianos. Muitos indianos e africanos se identificam com arianismo e o misticismo em torno disso. Todo mundo quer se sentir especial, quase um elfo do cu rosa. Supremacismo e suas mandingas não foram exclusividade do bigodismo, em resumo. O quadro da Segunda Grande Guerra era esse: basicamente, estávamos naquele dilema do matuto "se correr o bicho pega e se ficar o bicho come". Entre seis e meia dúzia, herdamos essa ilusão de "democracia liberal" que não tem nada de democracia nem de liberal. Mas o nome é bonito e causa impacto, mesmo que nossa liberdade seja menor que a de um camponês no sistema feudal.
Mas voltando ao assunto: macumbeiros nazista, ao retornarem de uma expedição na Romênia, levariam à Alemanha seus achados. Dentre estes, três urnas fúnebres. Isso descobrimos nos primeiros minutos do filme, quando pessoas num bote "multiculturalista" à deriva (americano, inglês, inglesa, australiano e soviético) conseguem subir a bordo do navio agora abandonado, apenas com cadáveres para todos os lados. Então já sabemos o que virá: vampiros em alto mar. Algo como a passagem de Drácula a bordo do Demeter, na obra de Bram Stoker - que aliás inspirou o filme sofrível Drácula - A Última Viagem do Deméter. Em Navio de Sangue, descobriremos que Drácula (seja lá qual for seu nome, chamado apenas de strigoi) não está de carona. Ele na verdade foi pego, dentro das urnas, pela expedição nazista; e acompanhado de sua família - esposa e filha (seriam elas strigoaică?). O problema é justamente que a filha libertou-se e matou toda a tripulação antes do bote com os náufragos da diversidade subirem a bordo. O objetivo da moleca sapeca é libertar toda a sua família.
Gostei bastante do fato de Drácula e familiares serem representados como criaturas grotescas (strigoi e strigoaică?). Não que "estão naquela forma", mas que seriam antigasentidades malignas que, naturalmente, são monstruosas. E pela primeira vez vi um Drácula "homem de família", orgulhoso pai de uma pequena demônia e casado com uma jararaca.
O filme pode ser visto no serviço Prime da Amazon ou no YouTube, tanto de maneira paga (aluguel) ou de graça, pois há vários uploads de usuários por lá, tanto dublado quanto legendado.
Abraços sanguinolentos e até a próxima.
Título original: Blood Vessel
Sinopse: em 1945, uma balsa salva-vidas fica à deriva no mar, e nela os sobreviventes de um navio-hospital: sem comida, água ou abrigo, até que um navio alemão abandonado lhes dá uma última oportunidade de sobreviver. Porém, o local está repleto de vampiros.
Data de lançamento: 11 de outubro de 2019 (mundial)
Jennifer Lynch manteve um grande vínculo com o trabalho de seu pai, David Lynch. Tanto que se notabilizou pelo livro O Diário Secreto de Laura Palmer, pegando carona no belíssimo seriado Twin Peakscriado por David em parceria com Mark Frost. Sobre o romance epistolar, recomendo meu vídeo abaixo. Realmente, o trabalho dela serve de complemento à compreensão do universo obscuro daquela pequena cidade encravada no Estado de Washington, entre muito pó, surubas e espíritos zombeteiros.
Como cineasta, ela arriscou algumas bobagens. A mais conhecida, sem dúvidas, foi Encaixotando Helena, filme ruim que é a cara do início dos anos '90, em sua busca pela nova estética que destoasse da década passada. É um filme ruim, mas bom. É aquele tipo de porcaria que vale a pena para ver o tempo passar à frente da TV, sem muito compromisso. E, ali, percebemos como Jennifer Lynch é realmente apegada ao genitor. Visivelmente, tentou chupinhar tudo o que podia do jeito paterno de escrever e dirigir, fracassando miseravelmente. Ninguém copia DavidLynch, nem sua pimpolha.
Quem ama e cuida, bota num potinho. 💗
Recordo que Encaixotando Helena teve relativo sucesso nas locadoras de VHS. A capa era bonita, aliás. Atraía a clientela. E a ideia de um médico tarado amputando aos poucos sua preciosa vadia, claro, mexia com as cabecinhas da época.
Na trama, conhecemos o talentoso médico Nick Cavanaugh, cuja mãe era a gostosa chifreira mais requisitada da cidade. Meio que num complexo de Édipo, Nick tenta afagar seus desejos sinistros afogando o ganso em Helena, a putiane descolada da região. Nick queria ser um corno feliz, como seu pai também fora, casando com uma empoderada boa de rabo. Então aproveita o atropelamento de Helena para lhe amputar as duas belas pernocas. Mais à frente, também os braços. Sobra apenas o mais lindo peso de papel do cinema: Helena, mal interpretada por Sherilyn Fenn no auge da beleza. Aliás, tudo ali é fruto de más interpretações. O único que se saiu bem foi o músico Art Garfunkel. E acho, ainda, que a presença de Sherilyn Fenn no elenco também se deve a David Lynch, já que ela foi uma das estrelas de Twin Peaks. Sherilyn Fenn, jovem, nos despertava os instintos mais primitivos.
Encaixotando Helena é um grande exemplo do que resulta quando se tenta copiar o estilo de alguém, mesmo que de alguém da própria família. Mas diverte! E revi esta pérola recentemente graças às entidades benevolentes que insistem em upar filmes no YouTube, na íntegra e com ótima resolução.
Se o filme é ruim, o final certamente coroa a obra com uma das piores opções. Fechou com chave de bosta essa grande merda. Foi a cereja podre no bolo estragado. Ao menos a trilha sonora por Bill Conti é legal, bem como a escolha de músicas aleatórias como Woman in Chains de Tears for Fears ou Nessun Dorma de Puccini. Muita gente encara a obra pela ótica do relacionamento abusivo etc. Sei lá. Só sei que é um ruim/bom legal sobre um médico pervertido que gosta de brincar com facas e tesourinhas.
Soube apenas hoje que regravaram - remake - Matador de Aluguel: sairá neste dia 21, no Prime Vídeo. Quando eu era guri, gostava do filme original. Qual moleque não queria estar na pele de Patrick Swayze, ganhando a vida batendo em vagabundo e metendo a piroca na médica loirinha e magrela? A primeira vez que assisti ao filme foi na Globo, à noite (Tela Quente, SuperCine? Não lembro), e passei dias pensando como alguém poderia matar usando apenas os dedos! Patrick Swayze era o cara. Dançava sem parecer fresco, sempre estava do lado do Bem em seus papeis, comeu Demi Moore melada de barro e, aos 57 anos de idade, morreu pesando menos de 40 kg, devorado vivo pelo câncer, após uma vida de três carteiras de cigarro ao dia e galões de biritas. Além de tudo, dizem as más línguas, que, enquanto morria lentamente, tomava porradas de sua esposa e era mantido em cárcere privado.
O que tirar da vida e da morte de Patrick Swayze? Nada. Ele foi um mega astro hollywoodiano e não posso nem imaginar o baita vidão que teve. Está além de meu alcance de zé ninguém assalariado imaginar as vidas desses sujeitos. Só acho que sua vida terá valido a pena se ele tiver aproveitado cada um de seus dias. Se mesmo com o rabo cheio de cachaça tiver encontrado, todos os dias, pequenos momentos de alegria, ainda que durante alguns minutos, sem pensar em mais nada além disso: viver o aqui e agora.
Lembrei que bons autores escreveram seus primeiros romances após o início da "velhice", a exemplo de Umberto Eco, Jô Soares e Luiz Alfredo Garcia-Roza. Todos alegavam não se sentir com maturidade suficiente para escrever romances. Jô Soares nem queria escrever O Xangô de Baker Street, tendo sugerido a ideia a seu amigo Rubem Fonseca, o qual, após ouvi-la, lhe disse: "Vai lá e escreve então, porra". E assim foi feito. E deu certo. É que amantes da Literatura a respeitam e ficam cismados com a possibilidade de estar escrevendo bosta.
Citei, acima, escritores. Mas serve para tudo. Acho que em todas áreas do conhecimento há estes exemplos: homens (e algumas poucas mulheres, a exemplo de Marie Curie) que, na maturidade, realizaram grandes feitos. À nossa volta também conhecemos pessoas que deram grandes guinadas em suas vidas. Tenho uma amiga que sobrevivia com salário mequetrefe numa prefeitura e, com 45 anos de idade, tornou-se advogada e está embolsando uma grana boa: comprou carrão, casarão e vive cheia de clientela que mal dá conta. Fico feliz por ela, pois é ótima pessoa.
Mas (e aí vem os "no entanto", "entretanto" e "todavia"), não tenho grandes feitos a realizar neste mundo, a não ser consumir seus recursos, defecar, dar boas pimbadas e dormir. Aliás, fica a sugestão: consumam recursos, comam e bebam bem. Não vale a pena economizar pensando em porvir, Mãe Natureza, essas bobagens todas. "Ah, vou reduzir a pegada de carbono, virar vegano e só rodar por aí de bike". Meu caro, a pegada de carbono que os magnatas do mundo querem reduzir é você e sua família. Com robôs e inteligência artificial, os Josés, Marias e Cleitinhos deste mundo se tornarão ainda mais mal vindos do que já o são. Os afortunados querem este belo planeta apenas para eles: suas praias, campos e montanhas. E não os condeno, pois quem gosta de povaréu? Se eu fosse Magnata, habitaria o mais distante possível da ralé. Na próxima pandemia de um vírus qualquer nos matarão com vacinas grafenadas. Próximo apocalipse: pandemia de tromboses e problemas cardíacos misteriosos. Ou soltarão logo ebola e varíola no ar. Enquanto isso, quero meu angus suculento no prato (e gasto muito para isso, aliás), queimar gasolina para não morrer atropelado por aí numa bicicleta e peidar bastante para ajudar no aquecimento global. O mundo é bom assim: quentinho.
Tenho 42 anos de idade e, creio, estou velho. Não tive muitos sonhos e projetos em vida. Dos poucos que nutri, não realizei nenhum sonho. E realizei poucos projetos. E está bom mesmo assim. Já estava há algum tempo num processo de "entrega", de "deixa a vida me levar". Me livrei de alguns poucos rastros de projetos que mantinha porque pararam de fazer sentido. Pouca coisa faz sentido, agora, a não ser tentar viver o dia a dia. Ando, talvez, com apenas um desejo: quiçá retornar à cidade onde cresci, mas nem nisso quero pensar muito. Enfim: para pessoas inúteis ao mundo, assim como eu, meditar sobre o futuro tão obscuro apenas atrapalha. Quanto à inutilidade, só posso ser útil a mim mesmo e, logo, à minha família. E a mais nada. O mundo é muito vasto para tirar meu sono e, ainda assim, creio que ele continuará aqui, firme e forte, mesmo após a sexta extinção. Esta, aliás, está demorando a vir até demais. Vladimir Putin faria um grande favor se apertasse o botão vermelho. Esta sociedade onde "palavras machucam" está precisando urgentemente de uma Guerra.
E claro que não: não estou feliz, dando pulos de alegria, plenamente satisfeito com minha vida e os rumos que ela tomou. Acho que essa tal felicidade não existe, então sou grato pelos poucos momentos, aqueles poucos minutos onde me sinto feliz. Geralmente - não sei o porquê - aproveito tais breves momentos durante a calmaria do pôr-do-sol, naquela hora de nuvens róseas. E, claro, ao lado de minha filha, em regra no final da noite, quando ela já está entregue ao cansaço do dia e só quer jogar conversa fora antes de dormir, compartilhando comigo as "grandes dúvidas" e "infindáveis dramas" que assolam crianças de sua idade. Mas, no geral, o cotidiano é só isso: vazio, busca do que fazer para ocupar o tempo de forma "proveitosa", pagamento de contas sem fim etc. É a rotina de um bonobo mediano, mais nada.
Não tenho mais sonhos nem projetos. Não sou um grande realizador a deixar legados literários ou científicos à humanidade. Mas posso ser um Patrick Swayze sem dinheiro e morrer cedo, comido por doenças escrotas e na absoluta merda. Então preciso aproveitar apenas - como dizia minha avó materna - "um dia após o outro com uma noite no meio". Sim, ela sempre falava isso.
Ah, sobre o remake de Matador de Aluguel, acho que não verei. O original envelheceu mal, aliás. Então imaginem um remake daquilo ao sabor dos tempos imundos onde nos encontramos. Mas... fica a sugestão para quem quiser tentar.
O que me levou a ver A Máquina Infernal na verdade foi quem: Guy Pearce, alguém que passei a admirar (artisticamente, claro, pois desconheço e não quero saber nada sobre sua vida privada) desde quando há anos e anos, locado em VHS por meu irmão, assisti a Amnésia (2000). E não me decepcionei. Que filme bom. Sem querer entregar demais da história, apenas destaco haver elementos de Vidas em Jogo (The Game, 1997, filmão meio esquecido de David Fincher) e Janela Secreta (2004). Quanto a este último, é que realmente acreditei que tudo não passasse de paranoia do protagonista, o famoso e recluso escritor Bruce Cogburn. E a trama nos joga um pouco para isso.
Mas vamos lá. Em resumo, na história, descobrimos que há mais de duas décadas houve um tiroteio "inspirado" pelo best-sellerA Máquina Infernal, único livro escrito por Bruce. Após isso, ele se isolou no deserto californiano, onde vive incógnito. A aridez da fotografia me chamou bastante atenção e achei que tivessem rodado o filme na Austrália, país de Guy Pearce. Aliás, falando em Austrália e neste ator, assistam também a The Rover (2014). Retomando: ocorre que um "fã" o descobre. Não apenas o número de sua caixa postal, como também a exata localização de sua casa e, o que era apenas uma aporrinhação, torna-se violento. Afinal, o que está havendo? Quem o persegue e por quê? Mas o grande plot twist da trama não está nas respostas a tais perguntas. Não diretamente. A coisa é mais interessante após revelação surpreendente de Bruce Cogburn que tudo mudará.
Totalmente por acaso, resolvi assistir ao filme A Luz no Fim do Mundo, cujo título original é Light of My Life. Fiquei positivamente surpreso: produção simples, limpa, econômica, elenco diminuto, bem conduzida e com mote interessante. No caso, trata-se de filme pós-apocalíptico dirigido, escrito e protagonizado por Casey Afleck e sua cara de bunda. Essencialmente, na trama, acompanharemos um pai conduzindo sua filha num possível futuro onde a maior parte da população mulherística foi extinta por uma doença apelidada de "peste feminina". Como é de se esperar, num mundo onde quase todas as mulheres estão mortas, tudo funciona normalmente e não há falta de comida, água e até mesmo energia elétrica. Mas os caras estão piradões querendo xoxota e aí está a luta de Casey Afleck - apenas chamado de "pai" durante todo o filme - em proteger sua filha Rag, a qual anda disfarçada como se fosse garoto para evitar estupros, embora contando com apenas onze anos de idade.
O filme é lento, mas isso não é ruim. Há uma cadência no seu desenrolar, conseguindo nos manter presos à tela. Por vários momentos, flashbacks da vida passada do "Pai" nos são revelados, inclusive quando sua falecida senhora descobre estar contaminada pela "praga".
Durante quase duas horas, temos apenas uma cena de violência, totalmente seca, sem trilha sonora ou efeitos mirabolantes, entre porradas, sufocamentos e grunhidos. Dez minutos dessas duas horas são tomados, logo no início, por uma conversa boba entre "Pai" e Rag, com o primeiro inventando uma história para ela dormir, o que causa estranheza ao público e meio que serve de teste: "olha só, este será o ritmo do filme, tá mesmo a fim?".
Acredito que a obra poderia ter mais meia hora de acréscimo com algumas pegadas que seriam bacanas. Como ficaram os homens, sem bucetas para comer? Certamente, o mercado travequeiro deve ser o mais próspero naquela possível realidade. E o remanescente feminino? É dito por duas vezes que mulheres são guardadas pelo Poder Público em centros específicos, certamente se pensando em meios de reprodução. Mas bem que poderiam mostrar um pouco disso. Só que a proposta do filme é mesmo essa: simplicidade. Então ficou "ok" mesmo assim.
John Krasinski olhou para o passado e percebeu que bons filmes são simples. Pegou o clichê "humanos contra criaturas grotescas", investiu poucos trocados, editou tudo em apenas uma hora e meia e o resultado foi o filmão Um Lugar Silencioso (A Quiet Place, 2018), com sequência em 2020. Assim que assisti ao primeiro, adorei. Pensei: filmão, retornei aos anos '80. Mas apenas hoje assisti à continuação. E esse atraso tem motivação bem simples: há vários anos não fico mais na fissura de assistir ou ler algo. Vai tudo no seu ritmo e quando possível. Só vi a sequência porque minha cunhada passou a senha da Globo Play há alguns anos e, por acaso, vi a TV ligada hoje com a thumb do filme. Então pensei: é agora.
Para quem desconhece a história, o mote é banal. Num certo dia, criaturas caíram do espaço e destruíram este mundo. São cegas (certamente, têm origem onde a visão é inútil, creio). Mas possuem audição atômica, captando a queda de agulhas a quilômetros. Saem trucidando tudo que se mexe. São rápidas, grandes e fortes. As carapaças suportam fogo e balas. O ponto fraco é quando desprotegem a cabeça para apurar a audição, onde podem ser feridas de forma letal. A família Abbott anda descalça para não fazer barulho. No máximo, sussurram para se comunicar. Já no início do primeiro filme, o filho mais jovem é feito em pedaços. No final, na luta pela sobrevivência, o patriarca falece (cena abaixo). Ele é daquele tipo paizão protetor da tradicional família "fascista", o tipo mais odiado pela militância sexual tresloucada. O segundo filme inicia com breves minutos sobre o mundo imediatamente antes da invasão: a família Abbott está de boa curtindo um jogo de crianças, comendo cachorro quente e tomando refrigerante. Veem rochas fumegantes caindo na Terra e pronto... O Molusco chegou a Brasília? Não, foram monstros espaciais! Em alguns minutos, tudo foi para o inferno e deu PT (perda total). Então, rapidamente, o filme continua de onde parou: o remanescente familiar em fuga, onde encontrará ajuda num antigo amigo da família: Emmett (Cillian Murphy, o Tommy Shelby de Peaky Blinders). E começará aí nova jornada, com a revelação para sobrevivência: os alienígenas não conseguem nadar.
Não há explicação sobre a origem das criaturas. Mas tenho esta teoria: caíram aqui por acaso em algum evento cósmico que os arremessou em nossa atmosfera. Um asteroide, por exemplo. Talvez estivessem num planeta que se extinguiu e, como são formidavelmente resistentes, estavam espalhados montados em rochas pelo espaço sideral. Por mero acaso, aportaram aqui.
Esse tipo de filme será sempre atual, pois usa fórmulas simples. Basta acertar na mão. E, como falei, Krasinski acertou em tudo, sabendo contar a história direito! Aliás, esses dois filmes são atualíssimos para a realidade brasileira: uma nação silenciosa, onde quem falar se dará mal, nas mãos de criaturas tenebrosas.
Não recordo o nome da primeira mulher que me levou para cama. Eu era um moleque sebento e ela uma coroa divorciada com tetas enormes. Acredito que sua tara eram novinhos. Não recordo porque tanto faz. Foi apenas mais uma dentre tantas mulheres em minha vida. Mas nunca esqueci quando conheci Edgar Allan Poe. Foi na coleção Para Gostar de Ler, empreitada da editora Ática reunindo vários contos e crônicas de autores nacionais e estrangeiros. No caso, foi no Volume 11 - Contos Universais (v. capa abaixo). Ali, conheci O Retrato Oval e O Coração Delator, ambos do gênio do mistério. E foi paixão à primeira lida. Lembro que reli O Coração Delator dezenas de vezes e, depois, catei uma antologia de Poe na biblioteca perto de minha casa, lida de cabo a rabo.
Ainda adolescente, já tinha lido muito do escrito pelo exímio autor americano. Não recordo qual foi a editora responsável pelos livros, mas integravam uma coleção em capa dura com tecido, volumosos e enormes (livros maiores que os convencionais), salvo engano em três volumes. Devem se encontrar ainda hoje na biblioteca José Condé, na cidade onde cresci, totalmente mofados. Depois, tomei conhecimento que existiam filmes baseados em suas obras. Cheguei a ver, ainda jovem, Histórias Extraordinárias (1968), filme que não me agradou, mas chamou atenção pela beleza de Brigitte Bardot com cabelos negros. Também vi alguns filmes mais vagabundos por aí, mas ainda bem que mal os recordo. E, claro, como esquecer quando levaram o próprio Poe para o cinema, enquanto protagonista, em O Corvo (The Raven, 2012), filme mediano com um Poe, francamente, nada a ver. E eis que nos chega, agora, O Pálido Olho Azul pela Netflix, com um jovem escritor ali retratado que, deveras, convence.
O filme é baseado na obra homônima de Louis Bayard e dirigido/adaptado por Scott Cooper, o qual já trabalhou com Christian Bale em dois filmes que passaram desapercebidos pela maioria, mas que me agradaram: Tudo por Justiça (2013) e Hostis (2017). E O Pálido Olho Azul tem muito em comum com as produções anteriores: a geografia cruel, quase inacessível. São elementos como luz e clima refletindo as [e nas] ações humanas.
Harry Melling convence como seria o jovem Poe, enquanto ainda cadete na prestigiada academia militar de West Point. Fisicamente, o ator se parece bastante com o escritor, além da expressão taciturna, melancólica e assombrada. Seria um jovem E. A. P. em fase embrionária, aprendendo sobre o mundo para, posteriormente, retratá-lo em sombras. E também quedou bem no papel pela grande sacada da história: não colocá-lo como protagonista. Este seria o detetive Augustus Landor (Christian Bale).
A trama se passa em 1830. Um cadete da West Point é encontrado morto em circunstâncias bizarras e, para solucionar o caso, chamam Landor, detetive calejado não apenas por sua vasta experiência, mas também pelas agruras da vida. Para ajudá-lo na empreitada, o aluno Edgar Allan Poe. Aparentemente, tudo levará a crer se tratar de um caso envolvendo ocultismo e rituais mágicos. Mas o desenrolar mostrará que estamos errados em tais suposições e que fomos levados a assim pensar pelas circunstâncias expostas. E isso tem muito das obras de Poe, como em O Escaravelho de Ouro - onde a resposta estava o tempo todo num pedaço vagabundo de pergaminho que envolvia o artefato caríssimo, e não neste em si. Aliás, o próprio título "O Pálido Olho Azul" é, creio, referência direta ao conto O Coração Delator. Também há um esboço do que viria ser o poema O Corvo, através do nome Lenore (em português, Lenora ou Eleonora, conforme a tradução, embora a que eu mais goste seja de Fernando Pessoa, o qual não cita nomes).
Não falarei mais tanto sobre a trama, pois pode estragar a experiência de quem ainda não viu. Mas, realmente, é um filme bacana que vale a pena ser visto, especialmente pelos fãs de Edgar Allan Poe. No entanto, claro, não chega a ser um filmão e deixou acontecimentos mal amarrados, que não se encaixam tão bem.
Gostei bastante de rever Gillian Anderson como a véia maluca e macumbeira. Dana Scully traz sempre boas recordações.
Estou convencido que não vale a pena assinar Netflix. Quase não vejo nada ali e quando assisto fica a sensação de perda de tempo. A grana seria melhor investida em tabaco, sorvete (de pistache) e balas 7 Belo. Não vou afirmar que as produções originais são ruins. É que, realmente, não são para mim, apenas isso. Então mantenho a assinatura por minha família e, assim, de relance, vou conferindo algumas porcarias para saber como anda o mundo do entretenimento. Ou melhor: tentando. Foi o que houve, hoje, com O Troll da Montanha, produção norueguesa que retirou trinta e três minutos de minha vida. As pessoas estavam assistindo e tentei. Mas desisti. Me pergunto se, se eu fosse criança, gostaria daquilo. Ao menos há bons efeitos especiais. Pode ser que exista uma revelação espetacular por trás do monstro? Sim. Mas não paguei - com meu tempo - para conferir.
Mas enfim: por que falo sobre um filme do qual só vi meia hora? É que recordei de Border, filme igualmente nórdico (Sueco) sobre trolls. Não entendo muito sobre países nórdicos, a não ser que em breve estarão islamizados e, considerando que a veadagem por lá é institucional, os filhos de Ismael terão muito trabalho pela frente. E também sei que eles gostam de trolls assim como curtimos sacis, curupiras e mulas-sem-cabeça. E Border é sobre o folclore dessas criaturas, mas com uma pegada sombria. Faz três anos que assisti aquela obra de arte e ainda me arrepio com a recordação de alguns momentos.
Então esta postagem é sobre isso: não caia na trollagem da Netflix, assista a Border!
Esses dias também tentei assistir à série Wandinha - mais para acompanhar minha filha - e, embora não tenha gostado, ao menos me rendeu um vídeo para o Youtube (abaixo) sobre os cartuns que deram origem à mítica da família mais esquisita da cultura pop. Sim, isso é auto-jabá: veja meu canal, me dê views!
Em Império do Sol, Christian Bale - o Batman - era apenas um guri de sotaque britânico carregadíssimo (obviamente), mas que atuava muito bem. Na trama, ele é Jim Graham, filho de rico industrial inglês em Xangai, cuja vida é regada com luxos. No entanto, parte da China está sendo invadida pelo Japão durante a Segunda Grande Guerra, como extensão de um conflito que se arrasta há décadas. Quando não há mais reservas à diplomacia para manter alguns bairros "neutros", a família se separa e, então, acompanharemos a luta deste garoto de onze anos de idade pela sobrevivência num campo de concentração japonês, sob a tutela do malandro Basie (John Malkovich).
É importante dizer que James Graham Ballard realmente existiu e a obra é inspirada em seu romance semiautobiográfico.
Gosto de obras que retratam a crueldade do Japão, desde o período feudal até os kamikazes, pois sempre estranhei a maneira como o ocidente resolveu retratá-lo: arquipélago de pessoas pacíficas. De pacífico, ali, apenas o oceano. Além do aspecto histórico, o filme nos dá boas lições de vida. O próprio Jim é retratado como um bundão, menino rico criado a leite com pêra, totalmente alienado da vida real - seria tipo nossos atuais jovens, criados em apartamentos com Nescau gelado, que se registraram como eleitores este ano para votar na esquerda e em todo o projeto macabro por ela representado. Ao tentar reencontrar sua mãe na mansão, antes de ir para o campo de concentração, se depara com a antiga criadagem do lugar saqueando objetos de valor. Ao perguntar à sua babá sobre o paradeiro da família, leva um tabefe na cara. Sim, ele merecia. E aquele chinesa estava de saco cheio de aturar criança mimada.
O final é relativamente feliz. O guri aprende a dar sentido à existência à sua volta, reencontra os pais e sairá do oriente juntamente com o fim da guerra, não sem antes contemplar o brilho de mil sóis dos bombardeios sobre Hiroshima e Nagasaki.
Império do Sol. Título original: Empire of the Sun. Produção americana de 1987 com direção de Steven Spielberg e roteiro de Tom Stoppard e Menno Meyjes, com Christian Bale, John Malkovich, Miranda Richardson e Ben Stiller. Guerra/Drama ‧ 2h 34m
Roland Voight é um milionário que tem acesso a tudo o que deseja. Entediado, sem saber mais o que fazer da vida para torrar toda a grana acumulada, parte para o catimbó e vai bater tambor. No universo concebido por Clive Barker, isso quer dizer algo mais sofisticado. Logo, Voight procurará meios de acesso à cúpula da Ordem de Gash: o próprio Leviatã, em busca do prêmio à sua escolha. Mas, bobinho, pensou que negociaria de boa com demônios e tomou na tarraqueta. O presente foi o de sempre: dor. Para tentar remediar o mal negócio, seguirá novamente todos os passos anteriores, com sacrifícios de inocentes. E é aí que entram a noiada sebosa Riley e seu namorado picareta Trevor. Na jornada, os cenobitas aproveitam a bagunça para fazer o que mais gostam: remoer carne.
Anteriormente, postei no Youtube minhas suspeitas que o reboot cinematográfico de Hellraiser seria fraco. E foi. Não compreendo como "críticos especializados" acharam essa produção mixuruca um alento para o futuro da franquia. Mentira: finjo não entendê-los... Pois o filme é só mais do mesmo, com pequenas reformulações e sem Pinhead. Sim, pois aquela entidade esquisita não serve para Pinhead. Toda a maravilhosa concepção do sacerdote sadomasoquista, desenhada por anos e anos, foi jogada no lixo em prol da "diversidade" ou seja mais lá o quê. Repito que no romance primevo The Hellbound Heart não temos Pinhead. O mais próximo que poderia se aproximar dele é a sugestão de um cenobita com voz feminina e joias na face, que quase não tem destaque na trama. O próprio Clive se encarregou de reformular a ideia, dando à luz (ou às trevas) o verdadeiro Pinhead, o que melhor viria a calhar na cinematografia.
O "novo" Hellraiser é um filme com bons momentos grotescos para matar o tempo. E dentro do universo Hellraiser, obviamente. Há alguns elementos bacanas, explorados pelos roteiristas Ben Collins e Lucas Piotrowski. Eles optaram, por exemplo, pelo fim das roupas de couro. Os capetas vivem peladões e pequenos traços de trajes são representados por recortes e costuras com suas próprias peles. A caixinha finalmente encontrou uma explicação plausível para sua denominação como "Configuração do Lamento". No filme, ela passa por várias configurações e, no final, o "vencedor" pode escolher um caminho, uma configuração como prêmio. A viciada vagabunda não escolhe nenhuma, rejeitando qualquer agrado. Assim, "Pinhead" lhe diz que sua opção foi pelo lamento e a caixa retorna à configuração padrão: um cubo.
Hellraiser 2022, logo, segue o padrão do que vem sendo feito há anos e anos: lixo. Filme podre com bons momentos de nojeira que, para mim, é bacana de se ver na madrugada, deitado na minha rede baforando um charuto e bebendo porcarias.
Felizmente, não gastei nenhum real para assistir. Por ser filme de streaming, os caras upam imediatamente em trocentos serviços gratuitos, com boa resolução. Do próprio celular, transmito para a TV quando possível. Se não, espelho a imagem e assisto de boa, confortavelmente. Como boa empresa engajada com movimentos coletivistas, a Hulu não deve se incomodar com isso. Não importa o meio escolhido, Doug Bradley chora no banho de qualquer maneira.
Banditismo por uma questão de classe! - Nação Zumbi
O comerciante Benjamin Abrahão Botto imortalizou-se na História devido às fotografias e filmagens com o bando de Virgulino Ferreira, vulgo Lampião, Rei do Cangaço. Para quem esqueceu as aulas de História, cangaço foi um movimento de vanguarda: quando ainda não se falava em facção criminosa (CV, PCC etc.), o banditismo já encontrava-se hierarquicamente organizado no semiárido nordestino. Curiosamente, quando eu era criança, pintavam cangaceiros qual revolucionários. Lampião seria um Robin Hood disneyano em plena caatinga. Lego engano de professores acéfalos que nos doutrinavam a todo custo: foi apenas um marginal excêntrico, entusiasta de simbolismo sincrético, joalheria (colares, broches, pingentes e anéis), boa comida e perfumes caros.
O povo fodido sempre comeu o pão que o Diabo amassou. Não bastando o Estado corrupto e nossos governantes gângsteres, o sertanejo ainda tinha que suportar marginais com roupas espalhafatosas roubando, estuprando e pregando toda forma de terror. Nós, sertanejos, nos acostumamos tanto a tomar no cu que tomamos gosto e, hoje, damos quase 70% de nossos votos a Lula e à sua ideologia macabra. Na falta de Lampião, buscamos outro algoz. Freud talvez explicaria...
Voltemos ao filme. De certa forma, Benjamin Abrahão teve papel importante na derrocada do cangaço. Suas imagens mostravam cangaceiros armados com punhais e armamento ultrapassado. Não havia motivos para o Estado não dar fim a tudo aquilo, com estratégia e armamento de guerra. O que houve já sabemos: numa emboscada bem sucedida no sertão de Sergipe, a maior parte do bando foi trucidada e suas cabeças removidas para exposição itinerante.
E Baile Perfumado é um filme sobre Benjamin Abrahão e sua sanha para conseguir os célebres registros históricos dos cangaceiros, adentrando em mata braba, costurando acordos com coronéis sorrateiros e, quando possível, comendo esposas alheias. E, como também nos diz a História: acabou executado por 42 perfurações à faca.
Assisti a este belo filme há anos e anos, por força de exigência escolar. Gostei do fato de não terem enfeitado os bandidos como se boas pessoas fossem, conquanto recordo bem de professores dando auras místicas ao bando de maloqueiros que viviam entocados no mato igual a animais peçonhentos. Depois, já adulto, o revi. E revê-lo pela terceira oportunidade, após tantos anos, me fez perceber como se trata de produção resistente ao tempo e, mesmo com as limitações técnicas e orçamentárias de época, ainda vale mais a pena do que obras endinheiradas como Bacurau.
E o meu anjo da guarda quedou-se de mãos postas no desejo insatisfeito de Deus.
- Manuel Bandeira
Esta postagem - cheia de spoilers, ressalto - de certa forma se deve à sugestão indireta do Scant S/A. Postei o vídeo acima no canal falando brevemente sobre a ocorrência de sistemas mágicos verdadeiros em gibis diversos, especialmente os de autores britânicos e, num comentário, ele me perguntou se já postei algo sobre o filme Vozes da Escuridão. E, deveras, tem tudo a ver, pois se trata de filme onde a magia vai além da mera invencionice. Como eu não tinha escrito nada a respeito, aproveitei esta sugestão.
Na trama, Sophia é a mãe que perdeu tragicamente seu filho: adolescentes inventaram de se meter com rituais e no meio da bagunça meteram sacrifício humano. Então ela aluga uma casa antiga e isolada, cuja arquitetura e construção atende aos seus planos: celebrar, ali, o exaustivo ritual de Abramelin para invocar seu anjo guardador e realizar um desejo - o qual pensamos ser o de vingança. Para isso, contrata o mago Solomon, que lhe dará "suporte técnico". E todo o filme é isso: os dois pirados trancafiados na casa, por meses, abrindo as porteiras do inferno para, assim, chegar à entidade benevolente.
Embora eu não seja experto no tema, pelo pouco que li, o roteiro retratou fielmente o ritual - obviamente dentro dos limites da linguagem cinematográfica para mero entretenimento. Durante o cansativo ritual, você não terá acesso apenas ao bem, mas também a entidades malévolas. Por isso, numa dada fase, são necessários selos para trancar os diabinhos antes que a situação fuja do controle. Isso, dizem, é o que houve na famosa casa Boleskine, onde Aleister Crowley iniciou o ritual mas o abandonou, vazando da residência e a deixando até hoje cheia de diabretes. A casa foi comprada por Jimmy Page - que além de ser o genial músico que fundou Led Zeppelin, também era macumbeiro. Ele não suportou nem dois dias no local, dizem.
Amiúdes: o ritual dá certo. A residência empesteia-se por demônios desocupados que passam dias atormentando Sophia e Solomon; e, além disso, iniciam-se tragédias (comuns no processo), com a estranhíssima morte deste último. Sophia precisa permanecer trancada em vários momentos do dia, pois as entidades podem agredi-la fisicamente. Mas um dia vacila e é pega. Ao conseguir fugir, encerra o ritual pedindo o perdão final e, assim, tem acesso ao anjo, gigante, de voz retumbante (por isso ele fala sussurrando, para não colocar a casa abaixo), belo em todo o seu esplendor. Então ela finalmente faz seu desejo: conseguir perdoar. Nada tinha a ver com vingança. Ela apenas queria extrair de seu peito o sentimento de retaliação.
Abaixo, deixo o trailer e, para quem quiser, a cena final reveladora, com a manifestação angelical. É sem dúvidas um bom filme para entreter, produzido com poucos recursos, mas bastante competente ao que se propôs. Numa média de zero a dez, eu lhe daria nota oito.
Abraços mágicos e até a próxima.
Vozes da Escuridão. Título original: A Dark Song. Produção independente irlandês-britânica de 2016, escrita e dirigida por Liam Gavin, com Steve Oram e Catherine Walker. Duração: 1h 40m.
Tony é um inglês bem inglês. Pouca gente é tão inglês quanto ele: ex-tenista premiado, graduado na University of Cambridge e casado com Margot, rica herdeira interpretada por ninguém menos que a Princesa de Mônaco Grace Kelly. O cara representa a nata do esnobismo britânico, mantendo a compostura até quando descobre ser corno. Pois é. A princesa o chifra com Mark, escritor americano que costuma ir a Londres apenas talaricar a beldade. Então o que este elegante chifrudo faz? Não pode haver barraco nem comoção pública. Ele chantageia um antigo colega de faculdade para o serviço e arquiteta tudo milimetricamente.
Sim, o plano era perfeito. Mas Tony não contava que a safadinha conseguisse meter uma tesourada nas costas de seu amigo e safar-se da morte. Mesmo assim, a mente brilhante de Tony - estrategista no esporte - pensa rapidamente noutra possibilidade: condenar Margot por assassinato premeditado e levá-la à forca. E isso quase deu certo, se não fosse pela perspicácia do inspetor Hubbard - ele parece um trouxa quase todo o filme, mas nos surpreende ao final, algo como o detetive Columbo do clássico seriado de TV.
Disque M para Matar é um filme impecável dirigido por Alfred Hitchcock com roteiro de Frederick Knot. Passa-se quase que integralmente dentro do apartamento do protagonista, com raras tomadas externas e apenas uns minutos dentro de outra locação. As atuações são soberbas e, francamente, não enxergo falha num filme como esse. Temos centenas de bons filmes esperando por nós. Hoje, com a banda larga, tudo é ainda mais simples. Não gastemos nosso tempo assistindo blockbuster com super-hominhos coloridos. A vida é curta demais para isso.
Curiosidade. Hitchcock sempre fazia breve aparição em seus filmes. Mas, como este se passa num local fechado, o vemos na fotografia de confraternização em Cambridge.
Abraços cinematográficos e até a próxima.
Dial M for Murder, 1954. Direção: Alfred Hitchcock. Roteiro: Frederick Knott. Elenco: Ray Milland, Grace Kelly, Robert Cummings, John Williams. Colorido. 105 minutos.
É curioso como as lembranças podem nos pregar peças. Dias atrás, um colega de longa data puxou conversa sobre Phil Collins. Nunca fui grande fã dele, tampouco do Genesis. Mas, na hora, afirmei com convicção que Another Day in Paradise tinha me marcado bastante no filme Admiradora Secreta (Secret Admirer, 1985), um clássico da Sessão da Tarde. Aquele pianinho mexia comigo na época.
Foi então que ele me cortou: "Essa música não toca no filme. Acho que nem existia na época."
Nada que uma rápida busca no Google não resolvesse. E, de fato, ele estava certo. Nada a ver. Mas por algum motivo, aquele piano sempre me remeteu a Another Day in Paradise, lá nos recônditos da minha memória. Especialmente quando a melodia se repete no final do filme. Acontece que a trilha, na verdade, é uma composição do brilhante Jan Hammer, um tecladista checo excepcional.
Enquanto ouvia mais algumas de suas músicas, me peguei refletindo sobre o estado atual do cinema: filmes genéricos, trilhas sonoras sem alma, a completa ausência de encanto. E por acaso, encontrei o filme completo no YouTube, com a dublagem clássica. Valeu a pena revisitar aquela época—o humor leve, a sensibilidade, os rostos familiares como C. Thomas Howell e a saudosa Kelly Preston, musa de incontáveis adolescentes. RIP, Preston. RIP, cinema.
Éramos tarados pela Deborah. Mas amávamos a Toni.
E, no fim das contas, Alguém Muito Especial (1987) ainda me parece uma releitura mais dramática desse belo e simples filme. E para complicar ainda mais, Alguém Muito Especial é, na verdade, um novo olhar de John Hughes sobre A Garota de Rosa-Shocking (1986).
Moonfall traz o mote no título: a lua está caindo. Ou melhor: saindo de órbita, causando problemas à Terra devido à gravidade. O filme é legalzinho. Aquele tipo de sessão pipoca para relaxar, sem maiores ressonâncias emocionais. Tem aquela pegada de filme bobo, com piadinhas e clichês. Mas a ideia é bem interessante. É aquele tipo de história que, nas mãos de outra pessoa e executada com maestria, daria um filmão de ficção científica, tipo Lunar de 2009. Então senta que lá vem spoiler!
De início, vemos que algo inteligente atingiu nosso satélite e lhe perfurou a crosta. E a ideia é a seguinte: nossa lua não é um satélite natural. Trata-se de megaestrutura similar à Esfera de Dyson: no interior, anéis colossais o mantém em órbita precisa e obtém energia de uma anã branca capturada para esta aplicação - a de fornecer energia por bilhões de anos. Quem o criou foram nossos avós. Há milhões de anos, a raça humana existia noutras paragens. Vivíamos em paz e comunhão. Ocupávamos imensos planetas e, além deles, estruturas artificiais colossais. Aprendemos a capturar e extrair energia de sóis. E toda nossa vida era gerida por inteligências artificiais, com existência física em mecânica baseada em nanotecnologia. Um dia, essas inteligências se uniram e nos mataram. Antes do fim, construímos dezenas de "luas" e as enviamos para vários cantos do universo, em busca de condições ideais para criar planetas e semeá-los com nosso genoma. Mas a I.A. passou igualmente eras e eras em busca dessas esferas para destruí-las. E então nos achou.
Curiosamente, enquanto escrevia esta postagem, descobri que hoje teríamos uma superlua e bastou alguns minutos de espera para surgir no céu o espetáculo acima. Tirei as fotografias como pude (não sou bom fotógrafo), pensando nas sincronicidades da vida: falando de Moonfall e admirando esta belezura. Mas voltemos ao filme...
O protagonista é o ex astronauta que de herói nacional cai em desgraça devido à morte, no espaço, de um colega. Ele não teve culpa. No fundo, todos sabiam. E, aliás, havia até provas disso. Logo, ele está na miséria, devendo três meses de aluguel e se virando nos trinta. Seu filho o odeia e se torna porra-louca na vida e sua bela esposa logo lhe dá um pé na bunda e se casa com um ricaço. Então, no meio de tanta ficção fantasiosa mirabolante, essa é a grande real do filme: você, homem contemporâneo, não vale nada. Ele se torna um grande "ex" na vida: ex pai, ex marido, ex astronauta, ex herói. E, claro, todos os shapes de personagens estão lá compondo o elenco trivial: o "nerd" bobalhão que estava certo e que ajuda a todos no final, num rompante de bravura indômita; o herói derrotado que ressurge das cinzas, como falado; a "muié guerrêra", forte e determinada; as autoridades que por um triz não acabam com tudo; o filho rebelde que no final percebe como seu pai é foda etc.
Fica a sugestão de filme cheio de altas aventuras para o final de semana.
Abraços lunares e até a próxima.
Sinopse: Uma força misteriosa puxa a Lua para fora de sua órbita ao redor da Terra e a envia em rota de colisão com a vida tal como a conhecemos.
Direção: Roland Emmerich
Roteiristas: Roland Emmerich, Harald Kloser, Spenser Cohen
Artistas: Halle Berry, Patrick Wilson, John Bradley
Conquanto com o nome Minions no título, trata-se de um filme de nosso malvado favorito quando guri: sementinha do mal que já mostrava a que veio, soltando bombas de peido para esvaziar o cinema lotado, pregando o terror na sorveteria e fazendo o impossível para integrar, ainda imberbe e cabeludo, a trupe dos maiores vilões do planeta.
A trama: o ano é 1975 (sabemos disso devido a estreia de Tubarão). Gru participa de um concurso para substituir Wild Knuckles no sexteto supremo da vilania, supostamente falecido. Na verdade - e isso vemos logo no início - ele foi traído por seus comparsas ao roubar a pedra mística com poder de transformar o agora quinteto em super bestas imbatíveis. Rejeitado de ingresso no sexteto durante a entrevista, Gru rouba a joia do zodíaco, a perde logo após e se vê envolvido numa grande trama entre vilões e mocinhos.
Trata-se de um filme para pimpolhos. Mesmo assim o achei insosso. Faltou até açúcar. Faltou molho, temperos, tudo. Eu tinha nove anos de idade quando vi a estreia d'A Bela e A Fera, uma obra de arte soberba até para os dias de hoje. E, atualmente, minha filha com sete anos de idade teve que optar entre Minions 2 e Lightyear. Obviamente não a deixei assistir a este porque não a quero sendo estimulada por beijos e carícias gays - tampouco héteros. Os pervertidos que ocupam estúdios, hoje, teimam em meter sexualidade explícita em qualquer porcaria. Quando ela se entender por gente, fará suas escolhas de acordo com seus impulsos e desejos. Ainda é muito cedo para inundá-la com isso. E, claro, não pretendo financiar a turma woke com meu suado dinheirinho. Não podemos evitar tudo. Mas algo podemos, sim, boicotar.
O filme é em 3D, o que me irrita. É muito 3D e acho chato meter aqueles óculos por cima dos meus. Penso que o recurso deveria ser algo esporádico e em poucos momentos do filme. Quando eu tinha dez anos de idade, fui ao cinema com a molecada assistir a A Hora do Pesadelo VI - Pesadelo Final, com o novíssimo 3D. Na entrada, recebíamos óculos de papelão branco com celofane azul e vermelho. Antes do filme começar, fomos avisados que só deveríamos colocá-los quando a filha de Freddy Krueger também o fizesse. Foi uma ótima experiência, para a época. Mas bastou. Até minha filha reclama de passar o filme todo com os óculos.
Me chamou a atenção que, na sessão, havia apenas minha filha e mais duas de público infantil. Os demais eram todos marmanjos e moças que foram ali apenas para ver aquela abobrinha. Isso não deixa de ser assustador.
O tempo passa, o tempo voa e nem a poupança Bamerindus continuou numa boa. As coisas mudam e um filme como Os Caça-Fantasmas (1984/89) não serviria para os dias de hoje. Cada época tem o seu paladar. É como o sabor tutti-frutti, que vai mudando de acordo com região, clima e época. Então não podemos sentar para assistir algo novo da franquia esperando o que víamos quando guris. Mas o passado pode ser homenageado. E o novo pode agradar a várias idades com respeito à nossa inteligência. E assim foi com Os Caça-Fantasmas - Mais Além, filme divertido do ano passado.
Confesso que não queria ver a produção. Fiquei com medo de intoxicar meus sentidos, após aquela monstruosidade filmada em 2016. No entanto, vale a pena. E o melhor: o filme dá continuidade à franquia como se aquela abominação nunca tivesse existido. O filme das empoderadas foi satisfatoriamente extirpado da cronologia.
Na trama, Egon Spengler, o ex-gênio da trupe assombrada, tem seus últimos dias, vindo a falecer em confronto à malévola entidade Gozer (sim, a mesma do primeiro filme). Logo após, conhecemos seus descendentes: a filha com quem não mantinha contato e dois netos, herdeiros de sua fazenda na pacata cidade perdida no fim do mundo: Summerville. Como era de se esperar, eventos estranhos rondam a região e caberá à gurizada salvar o mundo, com direito à ajudinha (lá no final) da formação original, até mesmo com um Harold Ramis (o Dr. Egon) recriado digitalmente, já que é falecido desde 2014. E, no meio dos créditos, ainda temos Sigourney Weaver de brinde, dando choques no Dr. Bill "Venkman" Murray.
É um filme despretensioso, mas que lavou a alma da franquia após a lacração acéfala de 2016. Todos os elementos que tornaram Caça-Fantasmas o que são estão lá: o fantasma Papa-Metal que sucede "espiritualmente" o que, no desenho animado, chamamos de Geleia; pequenos Mr. Stay-Puft; os cães lazarentos do inferno que incorporam em pessoas indefesas e a própria Gozer, como já falado. Aliás, os novos tempos estão ali na pessoa de Gozer. Aproveitando sua imagem andrógina, uma das pirralhas adverte que a entidade não é "ela" nem "ele", pois está além de gêneros, ao que a outra responde: "Politicamente correto há 3000 anos antes de Cristo". E até Janine deu as caras, logo no comecinho.
As homenagens não são apenas aos filmes anteriores da franquia. O professor Grooberson, para ocupar os alunos perdedores, põe filmes de terror antigos, em VHS, na TV de tubo, para a estranheza dos guris que não aceitam bem aquelas produções datadas, como Cujo (1983) e Brinquedo Assassino (1988). É ele dizendo por nós: "Vejam, nós adorávamos essas porcarias".
O filme tem o mérito de ligar a pequena Summerville e o metal ali extraído com a edificação do prédio onde Gozer surge, em Nova Iorque, na obra de 1984. E, no final, o inesquecível automóvel Ecto-I nos é mostrado retornando à grande metrópole, certamente em busca de novíssimas aventuras.
E antes que você pergunte: claro, os créditos são embalados pela Ghostbusters de Ray Parker Jr.!
